Dossier coordonné par Isabelle Barbéris et Karel Vanhaesebrouck

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Il y a, dans le théâtre contemporain, quelque répugnance à employer le terme et une grande méfiance quant à la caricature du théâtre et de l’art que cet emploi suppose : le « kitsch » a mauvais genre.
Il figure, de son aveu même, la quintessence de ce qu’il y a de plus bas, de plus dégradé, de plus décalé, de plus dé-généré en art. Mais c’est à partir de là que le kitsch devient aussi le lieu d’une revendication d’inversion, du retournement de ce bas « décadent » en valeur. Le passage au kitsch serait alors, d’abord, cette inversion à tous égards, manifeste, ostensible, ostentatoire, attentatoire, agressive, et qui se plaît, donc, à singer l’avers par l’envers. Macaque ou ouistiti, le kitsch singe et, parce que le public voit qu’il singe, il séduit.
On pourrait partir de là : que le kitsch est d’abord une posture observée comme culturelle et animale qui se définit, et que les spectateurs peuvent facilement définir, par un « surjeu » massif, apparemment transgressif, mais/et artificiel puisque saisi par son ostentation même. L’attitude kitsch, comme l’objet kitsch, marqueraient alors une distance plus ou moins ironique vis-à-vis de référents qu’ils font mine de ne plus révérer, si bien que cette valeur du bas, revendiquée comme telle, peut se limiter à la mise en place d’une simple inversion de type parodique, moderne, ou post-moderne.
L’enquête qui suit cherche ainsi à sortir de cette impasse en supposant que la théâtralisation, ou la spectacularisation revendiquée du kitsch est à même de dépasser la structure mimétique et parodique, ou le simple surjeu, pour produire, par la relation esthétique que cette distance ostensible induit, un espace déhiérarchisé, anticonformiste, antinormatif donc, en principe, libéré des normes esthétiques, de circulation et de partage des signes.
C’est alors que l’emploi du kitsch, donné comme moyen de communication esthétique, permettrait, de fait, d’opérer une ouverture théâtralisée vers autre chose que le monde fonctionnel moderne : une relation contre-nature, c’est-à-dire, contre-norme ; un envers expérimental, créatif, provocant et ouvert qu’il s’agit maintenant d’explorer.

Isabelle Barberis & Karel Vanhaesebrouck, Introduction

Olivier Lussac, Kitsch et avant-garde aux Etats-Unis dans les années soixante

Guillaume Bellon, Le kitsch manqué des Mythologies. Lecture du « monde où l’on catche »

1. Reconstitution et fantasme néobaroque

Maarten de Pourcq, « Thongues that have gone wild », le néobaroque dans Heliogabalus de Fanny & Alexander
David Christoffel, Lakmé, démontage et colonies
Karel Vanhaesebrouck, Parsifal par Romeo Castellucci, entre maniérisme autoréférentiel et performativité baroque
Marin van der Jagt, J’ai vu deux ours… ROCOCO par Hotel Modern
Isabelle Barberis, La stylisation de l’énergie chez Benjamin Lazar

1. Ramasser les fragments vermoulus d’un monde en miettes

Eric Vautrin, Pour ceux qui bougent ou l’auberge du mensonge le cœur léger
Florence Fix, K +K Anarchie
Esther Gouarné, Viva la naturisteraçion ! du Warme Winkel : une ode à l’Âge d’Or (ou pas)
Isabelle Barbéris, Deux masques et la plume de la compagnie du Zerep : le carton pâte au carré
Sheila Ghelani, « Je ne cesse de dire que je vais faire une performance avec moins d’objet, mais je n’y arrive pas », entretien avec Chloé Déchery

1. Stratégies d’avant-gardes et stratégies politiques

Sarah di Bella, Une chorégraphie de la résistance. Le détail kitsch dans Salves de
Maguy Marin
Leila Adham, Un Hamlet kitsch par Nicolaï Kolyada
Francis Ducharme, Les Figures animalières et la guerre dans Bambiland d’Elfriede Jelinek
Rudi Laermans, Déconstruire le maniérisme médiatique : la trilogie BIG des Superamas

1. Genre et identité

Christophe Alix, Le kitsch et la transgression : le cas des fluides corporels sur scène
François Frimat, La pointe kitsch de François Chaignaud
Marie Pecorari, « Je suis une femme indépendante » : quelques réflexions sur le kitsch du personnage de théâtre
Camille Mourier, Gary Glaser , un faiseur « byzantin d’icônes »
Asako Muraishi, Le monde illusoire de la Marie Vison : le kitsch scénique de Shûji Terayama

1. Formes pop ou populaires ?

Frank Peeters, Arne Sierens, artiste urbi et orbi
Sylvain Diaz, Oser le kitsch, oser le théâtre : les Illusions comiques d’Olivier Py
Angèle Micaux, Dallas
Manu Laskar, My Second life 3D

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Dossier coordonné par Jeanne Bovet, Jean-Marc Larrue et Marie-Madeleine Mervant-Roux

Il y a un an de cela, théâtrepublic rejoignait l’aventure du “Son du théâtre”. Avec “Le passé audible” d’abord, puis  ”Dire l’acoustique” en mars dernier, cette collaboration  au long cours est devenue un véritable compagnonnage.

Grâce à l’équipe “Le son du théâtre / Theatre Sound”, de Jean-Marc Larrue et Marie-Madeleine Mervant-Roux, nous sommes maintenant au cœur de cette redécouverte du son. Se démarquant du discours essentialiste habituel - qui pense et valorise une vocalité antérieure au langage -, ce troisième et dernier volet, “Voix Words Words Words”, développe l’idée que c’est la voix syntaxique, la voix saisie dans son rapport au verbal, qui innerve l’art de la scène. Preuve, là encore, de la formidable richesse - et de notre méconnaissance - de la sphère sonore au théâtre.

Bonne lecture, oreilles grandes ouvertes…

Parcours

Robert Wilson Word Poems / Song Poems

Dossier

Jeanne Bovet, Jean-Marc Larrue, Marie-Madeleine Mervant-Roux   Introduction

chantier 1  La voix re-produite

Laura Odello et Peter Szendy     Le gai bégaiement

Brigitte Felderer       «Filles invisibles» et «machines parlantes»

Richard Foreman        Le son, racine de mon théâtre

Marie-Claire Pasquier         Le théâtre de Richard Foreman

Jean-Marc Larrue            Les révolutions de la voix

chantier 2  Mises en voix

Melissa van Drie     Des modèles phonographiques pour de nouvelles voix théâtrales

Pascal-Anne Lavallée et Emmanuel Martin-Jean    Intermédialité  et technologies de reproduction de la voix dans le New York Times

Jeanne Bovet      Un micro, pour quoi faire?

Anyssa Kapelusz       Intérioriser et extérioriser les voix

Renaud Huerta et Anyssa Kapelusz     Comment visualiser un document sonore?

chantier 3 L’action du phonique. Cri, chant, silence

Jean-Marc Larrue           Entretien avec Robert Wilson

Cristina De Simone         (La) bouche  (de) l’oreille

Bénédicte Boisson           Dans la lignée d’Artaud

Katharina Rost               Sphères auditives paradoxales

Olga Jirouskova             Silence - clef d’un nouveau langage théâtral?

chantier 4 Temporalités numériques: les nouveaux médiums de l’évocation

Anne Gonon        WALK MAN 1., une dramaturgie de la soustraction

Hervé Lelardoux          Chaque nouveau WALK MAN 1. réinterroge le théâtre

Greg Beller          Arcane d’Un mage en été

Éric Vautrin         Il est des acteurs qui craignent le jeu au micro

Éric Vautrin          Le petit trou de l’oreil

Brigitte Joinnault          Sur les voix de Walden

Tania Vladova            Du son à la vidéo

Larry Tremblay          Chaque mot possède son tambour dans la longue nuit des phrases

chantier 5 L’autre Memory  Theatre

Viktoria Tkaczyk          La parole et l’apprentissage par cœur

Marie-Madeleine Mervant-Roux     Lorsque le souffleur disparaît

Mireille Brangé          Delphine Seyrig  ou la voix sur le point de se perdre

Miscellanées

Jean-François Peyret         Re : Walden, a memory

Cristina De Simone                The Sound of Silence d’alvis hermanis

Christine Hamon Siréjols       Un théâtre  dans le bagne

Depuis les débuts, Théâtre/Public s’obstine à questionner le théâtre et le monde qui l’entoure, l’informe, le transforme.Ce mouvement incessant nous a mené jusqu’à ce 200ème numéro, qui inaugure une nouvelle maquette, plus claire, plus lisible, où fond et forme sont soumis à une exigence éditoriale réinventée: c’est une nouvelle étape dans l’aventure, un pas de plus vers les 200 numéros… à venir.

Ce 200ème opus s’est construit autour d’une question anthropologique fondamentale - et ô combien à propos: Quel moi? interrogation empruntée à l’Amphitryon de Kleist, et dont nul ne détient la réponse - en admet-elle au juste? -, elle qui implique une infinie déclinaison de questionnements, d’angles d’approche. Le parcours qui en découle est diablement hétérogène: Bernard Sobel, initiateur de ce projet, a su réunir artistes, poètes, philosophes, psychanalystes, plasticiens… Chacun dans son langage, dans sa pratique scénique ou de pensée, interroge sans détour notre humanité - ce qui la fonde, ce qui la nie, ce qui lui donne sens -, notre individualité, notre rapport à l’Autre -.

Théâtre et sciences humaines se mêlent et se confondent, s’entrechoquent, se lient en une tentative impossible - être Moi, c’est déjà être ailleurs. Bon voyage.

Parcours

Valère Novarina      Sans titre

Valère Novarina Difficile sortie d’animal

Isabelle Babin ” aujourd’hui, jour du niement ” Le Vrai sang de Valère Novarina

Dossier

Bernard Sobel Quel moi ?

Daniel Franco Politique de la cruche : une lettre

Michèle Raoul-Davis L’Amphitryon de Kleist, une comédie d’après Molière

Jean-François Perrier Entretien avec Bernard Sobel et Michèle Raoul-Davis

Pascal Bongard   Quel moi ?

Pierre Bruno Quelle moie ?

Denis Podalydès Qui moi ?/ Quel moi ?

Elisa Farran et Marie-Françoise Leclère Entretien avec Lucio Fanti

Gérard Lépinois Nous en sommes à peu près là / Un drôle de héros / En passant par les “monades”

Iouri Olecha Notes d’un dramaturge

Marianne Gourg Olecha / Dostoievski

Michael Edwards Où suis-je ? Shakespeare et le spectateur

Richard Foreman Toi, toi, toi

John Berger Extraits de Lying down to sleep et de Bento’s sketchbook

Bruno Bayen       Lettre de Clarice Lispector à Fernandon Sabino

Portfolio

Manon Gingold Céleste Boursier-Mougenot, l’espace en mouvement

Miscellanées

René Gaudy Dormir au théâtre

Jean-Pierre Thibaudat Alain Ollivier

Georges Comtesse L’espace filmique des corps perdus

Anne-Marie Milliot Wetzel La danse inachevée de Matisse

Gérard Lépinois Kings, heroes and the street

Après la publication de l’ensemble d’articles sur “le passé audible” du théâtre (Théâtre/Public n°197), issus de deux années de recherches, d’exercices d’écoute, d’atelierset de discussion, nous avions le sentiment d’avoir découvertun univers quasiment inconnu – ou en tout cas largement méconnu –, de commencer à en saisir certains traits, mais de manquer encore de mots, de notions, d’outils pour le décrire et l’analyser dans son originalité, pour comprendre ce qui manque lorsque le son, au théâtre, n’est pas pensé, pour comprendre aussi les raisons pour lesquelles il n’est pas pensé. La question du langage, de la formulation, du mode de représentation a occupéune place de plus en plus grande au fur et à mesure que nous avions à conserver et à transmettre les résultats de nos travaux, au fur et à mesure que nous découvrionsà la fois les mots du sonore et leur rareté, l’histoire des transcriptionsvisuelles du son et les tentatives de l’écrire.

Volet II. Dire l’acoustique

Premier chantier

L’écoute partagée : techniques et arguments

Éric Vautrin, Vincent Dussaiwoir, Bruno Sébald, Marie-Gabrielle Soret, Chantal guinebault-Slamowicz, Guillaume Trivulce, Rafaella Uhiara, Anne Dorémus, Jean-Luc Ristord, Dominique Ehret, Markus Noisternig, André Serré, Daniel Deshays, Jean-LucGuionnet, Alain Mahé, Florent Siaud, Julien Éclancher, Nancy Tobin, Nicolas Bernier.

Deuxième chantier

L’expérience radiophonique : une excitation à penser l’écoute

Philippe Baudoin, Marie-Christine Lesage, Johanne Peyras, Justine Martini, Mildred Galland-Szymkowiak.

Troisième chantier

Une constellation conceptuelle : résonance, atmosphère, (espace) acoustique

Marie-Madeleine Mervant-Roux, Jonathan Burston, Helga Finter, Georges Home-Cook, Élisabeth Giuliani.

Photo de couverture:

Montage à partir d’une photo de La scène du Monument-National, boulevard Saint-Laurent, à Montréal et d’une photo d’Othello, m.s. Denis Marleau, 2007.

Photo du Monument National et montage : Hugo B. Lefort

Photo d’Othello : Marlène Gélineau Payette

“Depuis une bonne dizaine d’années maintenant, les collaborations et les échanges dans le domaine des arts de la scène  se sont multipliés. De plus en plus de metteurs en scène, de chorégraphes et d’autres artistes français fréquentent le Japon, dans des cadres multiples, pour y travailler et nouer des liens dépassant le seul cadre de l’économie de la tournée et de la co-production, tandis qu’une part certes encore restreinte mais grandissante de la création scénique contemporaine japonaise se donne à voir sur les scènes françaises…”

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I. Un siècle d’échanges scéniques
Ouvertures par Moriaki Watanabe, Georges Banu.

L’orée du XXe siècle

Premiers contacts / Voyageurs français dans le Japon de Meiji /  Sada Yacco à Paris / La figure de Kunio Kishida…
Par Christian Biet, Jean-Jacques Tschudin,  Béatrice Picon-Vallin, Nicola Savarese, Masakazu Hayashi.

Des maîtres en dialogue

Hisao Kanze / Jean-Louis Barrault
Par Mikio Takemoto, Kaori Oku.

L’onde de choc de la danse japonaise

La réception du butô en France / Le “butô noir” de Hijikata / Adaptations de Sade, Genet, Mishima / Deux danseurs français et le Japon...
Par Sylvianne Pagès, Odette Aslan, Dominique Dupuy.

II. Expériences contemporaines

Ouvertures par Shintarô Fujii, Christophe Triau.

Écrire, traduire

Les idiomes dans le théâtre d’Oriza Hirata / Molière en Japonais/ Le théâtre interculturel…
Par Stanca Scholtz-Cionca, Nobuko Akiyama, Mai Yoshino.

L’expérience des artistes : témoignages

Bruno Meyssat / Daniel Jeanneteau / Laurent Gutmann/ Motoi Miura / Arnaud Meunier / Frédéric Fisbach…

Sous le regard des institutions

Par Mari Kobayashi, Yukiko Nagashima, Emmanuel Wallon, Brigitte Proucelle, Kentarô Matsui.

Chronologie des relations France-Japon

Par Shintarô Matsui.

Photo de couverture

Chants d’adieu,
Oriza Hirata / Laurent Gutmann.
© Pierre Grosbois.

Ce dossier sur le son au théâtre, que Théâtre / Public publie en deux volets - le premier, intitulé “Le passé audible”, dans le présent numéro, le second “Dire l’acoustique”, dans le n°199 - combine l’histoire du théâtre à l’étude des médias et des technologies. Plus précisément, en analysant certaines des modalités d’intégration du son médiatisé, ou « son reproduit », sur la scène (de la fin du XIXe siècle à aujourd’hui), il vise à redonner à la dimension sonore du théâtre sa place essentielle. Car si le théâtre est le lieu où l’on voit, il a toujours été aussi - et tout autant - le lieu où l’on entend.

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Premier chantier

Penser le son histoire, archives, témoignages

Jonathan Sterne, Daniel Deshays, Serge Cardinal, Frédéric Dallaire et Joël Huthwohl.

Deuxième chantier

Patrick Feaster, Melissa Van Drie, Stéphane Tralongo et Marion Denizot.

Troisième chantier

Jean-Marc Larrue, Giusy Pisano, Marie-Madeleine Mervant-Roux, Réal La Rochelle, Chris Salter et Eric Vautrin.

Quatrième chantier

Mireille Brangé, Justine Martini, Laura Odello, Mathilde Sobottke, Laure Fernandez, Jeanne Bovet et Yukie Mase.

Et un hommage à Laurent Terzieff

Texte de Jean-Pierre Jourdain, photos de Bernard Michel Palazon.

Notes

Gérard Lépinois :

Photo de couverture

Photo et montage : Hugo B. Lefort

ouvrier au travail théâtral 

Coordination : Bérénice Hamidi-Kim et Armelle Talbot

Il faut d’abord rappeler que la France des années 2000 compte 6 millions d’ouvriers, soit 25% de la population active. Le rappeler, donc, et prendre aussitôt la mesure d’un écart entre l’importance toujours considérable du monde ouvrier dans le champ social et sa bien faible visibilité dans le champ de la représentation, qu’elle soit politique, médiatique, artistique ou culturelle.

Cet écart nous invite aujourd’hui à considérer plusieurs spectacles qui se sont attachés à redonner des visages, des corps et des voix à ceux que la logique comptable du capitalisme réduit à une variable d’ajustement, l’enjeu étant ici de valoriser un geste commun mais aussi de souligner la diversité de ses incarnations esthétiques et politiques.

La jeune lune tient la vieille lune toute une nuit dans ses bras

Publication inédite du spectacle du Théâtre de l’Aquarium  en 1976 accompagnée du DVD de la captation

Entre l’ancien et le nouveau/ travailleurs en lutte et comédiens porte-parole par Philippe Ivernel

L’ouvrier et le comédien : comment jouer les ouvriers sans se jouer d’eux ? par Bernard Faivre

De la chaîne à la scène / La représentation du travail dans La Jeune Lune par Armelle Talbot

La capacité politique ouvrière par Olivier Neveux

Table ronde autour de La Jeune Lune… avec Martine Bertrand, Patrice Besnard, Thierry Bosc, Nicole Derlon, Bernard Faivre, Philippe Ivernel et Alain Macé

Expériences contemporaines

Des corps intermédiaires ? par Bérénice Hamidi-Kim

Mémoires ouvrières dans 501 Blues et Politique qualité par Marine Bachelot

Entre figure du mineur et évocation de l’ouvrier contemporain par Sandra Trigano

La poétique du réel par Guy Alloucherie

Table ronde avec Dominique Boulert, Yvonne Bounif, Maela Cariou, Patricia Hugot, Lionel Jaffrès, François Rodinson

Huit pages, un photographe - 7

Stéphane Dubromel

Notes

Toujours ça de gagné sur l’histoire, Luc Meyer

Sommes-nous déjà humainement vaincus ? Gérard Lépinois

la crise tombe-t-elle du ciel?

 Résonances

 Si l’on tourne tant soit  peu  son  regard  vers  l’arrière,  on  répondra  évidemment  non.

 Table ronde autour du  Berliner  Ensemble

  Avec Carl Maria Weber et Bernard Sobel,  Jean-Louis Besson, Christian Biet, Jean  Jourdheuil et Michèle Raoul-Davis.

 Brecht/Müller/Wilson

 Le destin de Brecht, du brechtisme et  du Berliner Ensemble, par Jean Jourdheuil

L’Opéra de quat’sous mis en scène par Bob Wilson, par Félie Pastorello-Boidi

France, la question du “théâtre populaire”

André Steiger : Brecht,Adamov et le TNS, par Jean Jourdheuil

Le Quatorze Juillet, une épopée du Théâtre du peuple, par Nathalie Coutelet

Le Cartel, un modèle pour le théâtre français, par Bruno Bayen

Le théâtre des Nations et l’évolution des festivals, par Odete Aslan et Bétrice Picon Vallin

Notes

Chapeau bas aux magiciens de la finance, Gérard Lépinois

De l’individu de “crise”, Gérard Lépinois

Regards

La guerre des fils de lumière contre les fils des ténèbres, mise en scène d’Amos Gitaï, par Geneviève Brun

théâtrale européenne ?

 Aperçus

Dossier conçu par Olivier Neveux, Jitka Pelechova et Christophe Triau

Quelque a changé, quelque chose se transforme. De manière sensible, il est perceptible que les axes qui organisaient le travail des artistes et leur réception, les critères qui permettaient de les identifier ne sont plus les mêmes, non seulement par rapport à ceux des années 1960-80, bien sûr, mais aussi en regard de ceux du “jeune théâtre” des années 1990. Ce changement, il nous paraît important de tenter de le situer et de le comprendre : c’est le travail que les ”aperçus” présentés ici se proposent d’amorcer.

Table ronde

Cinq metteurs en scène rassemblés pour interroger collectivement la séquence théâtrale à laquelle est consacré le dossier : Jean Boillot, Judith Depaule, Aurélia Guillet, Benoît Lambert, Marie-José Malis. Modérateurs : Olivier Neveux, Christophe Triau.

“Faire entendre le texte” par Sabine Quiriconi.

Deux répertoires en parallèle : Frank Castorf, Thomas Ostermeier par Jitka Pelechova.

L’illusion ludique par Christophe Triau.

Notes sur Rodrigo Garcia, “Double pince et raclée” par Diane Scott.

Confusions et ambiguïtés autour du comique par Mireille Losco-Lena.

Le travail à l’épreuve de la scène contemporaine par Armelle Talbot.

Metteur en scène et écriture(s) : Einar Schleef, Christoph Marthaler, Guy Cassiers par Jitka Pelechova.

Théâtre en voyage : Cargo Sofia-Paris/Berlin de Stefan Kaegi par Romain Jobez et Christina Schmidt.

Le théâtre de Romeo Castellucci, “La fête du refus” par Matthieu Mével.

“Un matérialisme démocratique”, par Olivier Neveux.

Les arts plastiques en scène : vers un nouveau maniérisme ? Tristan et Isolde de Bill Viola, Vêpres de la Vierge d’Oleg Kulik, par Marie-Noëlle Semet.

Et le théâtre devint postdramatique : histoire d’une illusion par Christophe Bident.

Notes

Heiner Müller : de Philoctète à Macbeth, Jean Jourdheuil.

Faire l’histoire ?, Gérard Lépinois.

Témoignages

Roger Planchon, par Jean Jourdheuil.

André Benedetto, par Olivier Neveux.

Traditions, croisements, décloisonnements

Dossier conçu et réalisé par Julie Sermon

Trois sections organisent le dossier. Si chacune d’entre elles a été portée par une problématique spécifique, ces différentes approches ne sont bien entendu pas étanches ni exclusives : il s’agit plutôt d’une forme d’accent mis au sein d’une rélexion d’ensemble qui tâche, pour ainsi dire, de tenir la marionnette par les trois bouts – politique, esthétique, anthropologique.

La première, LIEUX COMMUNS, interroge la dimension politique et sociale de la marionnette.

Par Julie Sermon, Hélène Beauchamp, Stéphanie Lefort, Emilie Valantin, Alain Recoing, Eloi Recoing, Sidonie Han, Didier Plassart, Bérénice Hamidi-Kim, François Lazaro, Sylvie Martin-Lahmani.

La deuxième section, TROUBLES DANS LA RECEPTION, est tout entière traversée par la question du brouillage des frontières et des définitions constitutives de notre rapport au monde.

Par Hélène Beauchamp, Brigitte Prost, Bernadette Bost, Ariane Martinez, Esther Gouarné, Bénédicte Boisson, Zaven Paré, Lucile Bodson, Franck Bauchard, Philippe Choulet.

Dans la troisième section, enfin, ECRIRE AVEC LES MARIONNETTES, c’est du point de vue de l’écriture que nous abordons la marionnette – l’objet, la poupée, le matériau… : les divers médiums à l’œuvre de ce que nous pourrions appeler, à la suite de François Lazaro, les théâtres « par délégation ».

Par Fabienne Denoual, Gisèle Vienne, Sidonie Han, Bérangère Vantusso, Cécile Fraysse, Philippe Aufort, Agnès Oudot, Sylvie Baillon, Renaud Herbin, François Lazaro, Daniel Lemahieu, Jean-Luc Mattéoli, Roland Shön, Michel Laubu, Johanny Bert, Aurélia Ivan, Nicolas Gousseff.

Cahier photos couleur de Brigitte Pougeoise.

Le Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes de Charleville-Mézières, par Anne-Françoise Cabanis.

Notes

Scène et horizon, Gérard Lépinois.

Carnet

Librairie : Le théâtre monte au front, direction Chantal Meyer-Plantureux, par Marjorie Gaudemer ;

Je vais au théâtre voir le monde, texte Jean-Pierre Sarrazac, dessins Anne Simon, par Stéphanie Loncle.